#choreography #movement art #body art

10-11/2022 presentation in the video „Shadow Relations“ @ Atelier Frankfurt Frankfurt am Main, DE

OscillART is an artistic project that develops a unique aesthetic language where sound, movement, and visual elements merge into a profound unity. At its core lies the question of how music, emotions, and spatial as well as visual language can create an aesthetic foundation from which physical performances unfold. This connection results in an extraordinary symbiosis: sounds and inner emotional processes are translated into movement through the body and expressed outwardly in a visually embodied form.

A particularly defining aspect of OscillART is the innovative translation of sound into visual and physical expressions. Shadows play a central role in this process: they are not merely projection surfaces but become active design elements. Through the interplay of sound, light, and movement, dynamic shadow images emerge that enhance the expressive potential of the body while simultaneously creating new aesthetic spaces. The body itself becomes a medium, making the interaction between auditory and visual stimuli tangible.

As part of the video presentation Shadow Relations, this approach is combined with elements of video art and enriched by additional visual components. The work blends sound, light, and movement to artistically explore the complex relationships between shadow and light. Here, shadows are not simply treated as visual elements but as integral components that, through their interaction with sound, create new visual and emotional depths within the space.

The goal of OscillART is to foster a heightened awareness of the subtle connections between sound, shadow, and the body. It invites the audience to experience the impact of sound and light in a new, profound context, encouraging an enhanced perception of space and the body. The performances inspire reflection on how inner processes can not only be experienced but also made visible through art.

OscillART creates an interdisciplinary space that rethinks the boundaries between music, visual art, and physical performance in an innovative way. It is not just about artistic representation but about establishing an intense dialogue between inner emotions and outer form—one that moves and inspires.

OscillART – Körper Klang Kunst

OscillART ist ein künstlerisches Projekt, das eine einzigartige ästhetische Sprache entwickelt, in der Klang, Bewegung und visuelle Elemente zu einer tiefgreifenden Einheit verschmelzen. Im Zentrum steht die Frage, wie Musik, Emotionen und räumliche wie bildliche Sprache ein ästhetisches Fundament schaffen können, aus dem sich körperliche Performances entfalten. Diese Verbindung führt zu einer außergewöhnlichen Symbiose: Klänge und innere emotionale Prozesse werden durch den Körper in Bewegung umgesetzt und auf visuell-körperliche Weise nach außen getragen.

Ein besonders prägender Aspekt von OscillART ist die innovative Übersetzung von Klang in visuelle und körperliche Ausdrucksformen. Der Schatten spielt dabei eine zentrale Rolle: Er dient nicht nur als Projektionsfläche, sondern wird zu einem aktiven Gestaltungselement. Durch das Zusammenspiel von Klang, Licht und Bewegung entstehen dynamische Schattenbilder, die das Ausdruckspotenzial des Körpers erweitern und zugleich neue ästhetische Räume eröffnen. Der Körper selbst wird so zum Medium, das die Wechselwirkung zwischen auditiven und visuellen Reizen erfahrbar macht.

Als Bestandteil der Videopräsentation „Shadow Relations“ wird dieser Ansatz mit Elementen der Videokunst verknüpft und durch zusätzliche visuelle Aspekte ergänzt. Die Arbeit kombiniert Klang, Licht und Bewegung, um die komplexen Beziehungen zwischen Schatten und Licht künstlerisch zu erkunden. Hier wird der Schatten nicht bloß als visuelles Element betrachtet, sondern als integraler Bestandteil, der durch die Interaktion mit Klang neue visuelle und emotionale Tiefen im Raum schafft.

Das Ziel von OscillART ist es, ein intensiveres Bewusstsein für die subtilen Verbindungen zwischen Klang, Schatten und Körper zu schaffen. Es lädt das Publikum ein, die Wirkung von Klang und Licht in einem neuen, tiefgreifenden Zusammenhang zu erleben und eine verstärkte Wahrnehmung von Raum und Körper zu entwickeln. Die Performances regen zur Reflexion an, wie innere Prozesse durch Kunst nicht nur erfahrbar, sondern auch sichtbar gemacht werden können.

Mit OscillART entsteht ein interdisziplinärer Raum, der die Grenzen zwischen Musik, visueller Kunst und Körperperformance auf innovative Weise neu denkt. Dabei geht es nicht nur um künstlerische Darstellung, sondern um die Erschaffung eines intensiven Dialogs zwischen innerem Empfinden und äußerer Form, der berührt und inspiriert.

25.10. – 27.10.2024 Naxos Hallen/ Frankfurt am Main, DE
#composition #sound design #music

Am Übergang des Mittelalters zur Neuzeit tanzen hunderte Menschen exzessiv über Wochen auf den Plätzen von Straßburg. Für viele endet die Tanzwut erst mit dem Tod. Bis heute ist ungeklärt, was damals genau geschah. Eine Krankheit? Dämonische Besessenheit? Massenhysterie? Eine Gegengesellschaft? Was unterschiedliche Perspektiven in der Tanzwut sehen, zeigt auch, wie sie die Welt sehen. Was ist mit Rausch und Ekstase? Der Titel „Die Bakchen“ stammt von einem antiken Drama, in dem Dionysos alle grausam bestraft, die ihm die Verehrung durch Tanz verweigern. 

Diese Performance unternimmt den abenteuerlichen Versuch, sich in das mittelalterliche Geschehen einzufühlen. Das Publikum kann diese Übung in der Fantasie oder mit dem eigenen Körper machen. Zu erahnen, was damals geschah, rückt zugleich die Gegenwart in den Blick. Unvermittelt wird die Raving Society eine plausiblere Lebensform, als der Wunsch, in einer Gesellschaft zu funktionieren, die bald sowieso zusammenbricht. Jetzt ist die Frage nur noch, ob der Beat kickt.

Der Sound führt in eine undefinierbare Welt, zwischen mystischen Welten und greifbarer Textur – er kriecht langsam in den Körper und bringt die Glieder in Zuckungen, bis der Beat die Kontrolle übernimmt und in eine Tanzwut führt…

TEXT, REGIE: Philipp Scholtysik 
SOUNDSCAPE, MUSIK: Abelha Supersónica
STIMME: Ruth Schmidt, Philipp Scholtysik
RAUM: Nils Wildegans
DRAMATURGIE: Jacob Bussmann
KONZEPTIONELLER INPUT: Frédéric De Carlo
PRODUKTION: Laura-Marie Preßmar

TEASER: Sophia Igel

Bild: Philipp Scholtysik

This improvisation emerged as part of the experimental phase of the research project „KlangBewegung“.

Abelha Supersónica experiments with different settings and materials to explore the interaction of sound and movement, taking into account aspects such as haptics, creativity, flow and expression.

„YOU IMPACT THE WORLD!“ Is a piano performance that develops in the moment of doing. Every sound that happens is a result of the atmosphere that is to feel right in that moment the performance happens. The visitors are a part of the performance and causes what happens. The emotions they bring in and every way of acting, talking, moving effects the atmosphere in the world – what is being showed here in the room, where the performance take place. The visitors can also actively influence the performance through moving, singing, building a creative community – what could end in a special common event together with the piano-performance.

With this performance project the artist Abelha Supersónica want to thematize the subject of digital world, anonymity and how it effects us in our way to live, in our behave and how this can impact the world around us. With this performance Abelha want to sensitize for are respectful together and awareness of body languages and (body) actions. She wants to demonstrate the emotional and psychological effects through the way we are treating us and calls on you to take responsibility for your actions and to be aware of their effects.

Each individual can initiate a change that can have far reaching effects!

Klangkiste/ Soundbox

A sound journey with sound modules

Experimenting with Piezos or modify existing instruments…

^{#interactive sound installations #participative interventions #performances #sound & movement art – KlangBewegung}

Research-project „KlangBewegung“ – KlangBewegung – A Synergy of Sound, Movement, and Technology

Details

KlangBewegung is an innovative research project at the intersection of art and technology, where the human body takes center stage as both an interface and a medium of expression. Initiated in 2023, the project explores the transformative potential of sound and movement as tools for artistic-aesthetic experience and the formation of creative communities.

Through an experimental and interdisciplinary lens, KlangBewegung investigates the interplay of materials, spatial dynamics, and sensory perception. It invites participants into an open artistic research space where sound and movement are intricately linked. By employing cutting-edge tools such as the MIDI controller Playtron and voltage-controlled sensors, the project transforms touch and movement into immersive soundscapes. Conductive materials, ranging from human skin to plants, create tactile, interactive experiences, redefining the body as a dynamic, living instrument.

The topic was also explored in greater depth as part of my master’s thesis, „KlangBewegung – Haptic Performance Art Between (Body) Medium and Interface.“

Concepts and Methodology

At its heart, KlangBewegung is a sensory exploration that merges technical innovation with creative expression. The project emphasizes:

• Interaction and Physicality: Using the body as an instrument, participants engage with technology to produce and manipulate sounds, fostering a „flow“ experience that integrates movement and auditory feedback.
• Haptics and Tactile Perception: Unique materials generate unconventional sensory experiences, deepening participants‘ connection to their own physicality and surroundings.
• Social and Creative Processes: The interactive nature of the project encourages co-creation, dialogue, and communal negotiation, cultivating inclusive, participatory environments.
• Phenomenological Approach: Drawing inspiration from Maurice Merleau-Ponty, the body is positioned as an active participant in the perception process, enabling new forms of spatial and self-awareness.

Goals

KlangBewegung aims to create multisensory, immersive experiences that go beyond traditional artistic practices. By integrating dance, music, visual arts, neuroscience, and philosophy, it generates fresh insights into interface design and sensory perception. Key objectives include:

• Fostering Self-Awareness: Through embodiment and interaction, participants gain a deeper understanding of their connection to space and self.
• Promoting Creativity and Collaboration: Improvisation and co-creation turn participants into active contributors, cultivating creative communities and inclusive artistic spaces.
• Advancing Educational and Social Processes: The project’s participatory formats make it a powerful tool for educational institutions, community engagement, and arts events, bridging diverse audiences and fostering mutual understanding.

Since its inception, KlangBewegung has been presented through workshops, performances, and experimental formats. Each iteration serves as both a creative exploration and a platform for community-building. Rooted in the principles of haptic performance art and expanded upon in the artist’s Master’s thesis, the project embodies a unique blend of artistic and scientific inquiry.

Whether experienced in a performance setting or an interactive workshop, KlangBewegung inspires participants to reimagine their relationship with sound, space, and each other, demonstrating the profound potential of art and technology to shape human connection and understanding.

By merging technology with the tactile and the auditory, KlangBewegung repositions the body at the forefront of creative and sensory exploration. It not only enriches the fields of aesthetic and artistic research but also offers innovative approaches to education and community-building, making it a vital project for anyone intrigued by the transformative power of art.

How to experiment with sensors and midi-controllers in SoundMovement-performances…

How to use midi-controllers for social & creative negotiation processes…

Forschungsprojekt „KlangBewegung“

Wie Midi-Controller für soziale und kreative Aushandlungsprozesse genutzt werden können…

KlangBewegung – Eine Symbiose von Klang, Bewegung und Technologie

Details

KlangBewegung ist ein innovatives Forschungsprojekt an der Schnittstelle von Kunst und Technologie, in dem der menschliche Körper im Mittelpunkt steht – sowohl als Interface als auch als Medium des Ausdrucks. Das 2023 initiierte Projekt erforscht das transformative Potenzial von Klang und Bewegung als Werkzeuge für künstlerisch-ästhetische Erfahrungen und die Bildung kreativer Gemeinschaften.

Durch eine experimentelle und interdisziplinäre Herangehensweise untersucht KlangBewegung das Zusammenspiel von Materialien, räumlichen Dynamiken und sensorischer Wahrnehmung. Es lädt die Teilnehmenden in einen offenen künstlerischen Forschungsraum ein, in dem Klang und Bewegung eng miteinander verbunden sind. Mithilfe moderner Werkzeuge wie dem MIDI-Controller Playtron und spannungsgesteuerter Sensoren verwandelt das Projekt Berührungen und Bewegungen in immersive Klanglandschaften. Leitfähige Materialien – von menschlicher Haut bis hin zu Pflanzen – schaffen taktile, interaktive Erlebnisse und definieren den Körper als dynamisches, lebendiges Instrument neu.

Idee und Methodik

Im Zentrum von KlangBewegung steht eine sinnliche Erforschung, die technische Innovation mit kreativer Ausdruckskraft vereint. Das Projekt legt besonderen Fokus auf:

• Interaktion und Körperlichkeit: Der Körper wird als Instrument genutzt, um mit Technologie Klänge zu erzeugen und zu manipulieren. Dies ermöglicht ein „Flow“-Erlebnis, das Bewegung und akustisches Feedback integriert.
• Haptik und taktile Wahrnehmung: Ungewöhnliche Materialien erzeugen neuartige sensorische Erfahrungen und vertiefen die Verbindung der Teilnehmenden zu ihrer eigenen Körperlichkeit und Umgebung.
• Soziale und kreative Prozesse: Die interaktive Natur des Projekts fördert Co-Kreation, Dialog und gemeinschaftliche Verhandlung, wodurch inklusive, partizipative Umgebungen entstehen.
• Phänomenologischer Ansatz: Inspiriert von Maurice Merleau-Ponty wird der Körper als aktiver Teilnehmer im Wahrnehmungsprozess positioniert, wodurch neue Formen von Raum- und Selbstwahrnehmung ermöglicht werden.

Zielsetzungen

KlangBewegung hat das Ziel, multisensorische, immersive Erfahrungen zu schaffen, die über traditionelle künstlerische Praktiken hinausgehen. Durch die Integration von Tanz, Musik, Bildender Kunst, Neurowissenschaft, und Philosophie liefert das Projekt neue Erkenntnisse zu Interface-Design und sensorischer Wahrnehmung. Die Hauptziele umfassen:

• Förderung der Selbstwahrnehmung: Durch Verkörperung und Interaktion gewinnen die Teilnehmenden ein tieferes Verständnis für ihre Verbindung zu Raum und Selbst.
• Förderung von Kreativität und Zusammenarbeit: Improvisation und Co-Kreation machen die Teilnehmenden zu aktiven Mitgestaltenden und fördern kreative Gemeinschaften sowie inklusive künstlerische Räume.
• Weiterentwicklung von Bildungs- und sozialen Prozessen: Die partizipativen Formate des Projekts machen es zu einem wirkungsvollen Werkzeug für Bildungseinrichtungen, Gemeinschaftsarbeit und Kunstveranstaltungen, indem es diverse Zielgruppen zusammenbringt und gegenseitiges Verständnis fördert.

Seit seiner Gründung wird KlangBewegung durch Workshops, Performances und experimentelle Formate präsentiert. Jede Iteration dient sowohl als kreative Erkundung als auch als Plattform für Gemeinschaftsbildung. Das Projekt basiert auf den Prinzipien der haptischen Performancekunst und wurde in der Masterarbeit der Künstlerin weiter vertieft. Es vereint auf einzigartige Weise künstlerische und wissenschaftliche Forschung.

Ob in einer Performance oder einem interaktiven Workshop erlebt – KlangBewegung inspiriert die Teilnehmenden, ihre Beziehung zu Klang, Raum und zueinander neu zu denken. Es zeigt eindrucksvoll, wie Kunst und Technologie das Potenzial haben, menschliche Verbindung und Erkenntnis zu prägen.

Indem Technologie mit dem Taktilem und Akustischem verbunden wird, positioniert KlangBewegung den Körper neu im Mittelpunkt kreativer und sinnlicher Exploration. Das Projekt bereichert nicht nur die ästhetische und künstlerische Forschung, sondern bietet auch innovative Ansätze für Bildung und Gemeinschaftsarbeit – und wird so zu einem bedeutenden Projekt für alle, die sich für die transformative Kraft der Kunst begeistern.

I am Abelha Supersónica – an artist and researcher who is passionate about installation, performance and interactive work to create immersive experiences where the visitor becomes part of the artwork. A focus of my work is the exploration of new forms of artistic expression that can be created through the combination of body, sound and movement. Movement – as self-activity as well as expression – becomes an artistic tool to create (sound)scapes on a physically perceptible level. My work stems from a deep fascination with sensory and tactile experiences – the art of touching, shaping, and understanding the world with one’s hands and body. For me, the body itself is an instrument that tells stories.

How can we create deeper connections with ourselves and each other through sound, movement, and touch? 
How can we, through innovative technological developments that shape our perception and interactions, strengthen human connections while also critically addressing the impact of these technologies on our society? 
What role can art play in fostering not only individual but also collective experiences that engage with the social and ethical challenges of the modern world? 

These questions drive me to continually push the boundaries of my artistic practice and to understand art as a medium for encounter, experience, and learning.

My journey as an artist and researcher began with a profound passion for sound research and music. As a DJ, live musician, and producer, I have experienced firsthand how sound can move not only the mind but also the body. This experience inspired me to create music and performance art in a way that invites people not only to listen but also to feel and exchange.

I was particularly fascinated by the possibility of making sound experientially tangible. During my time on stage, I developed a special sensitivity to how rhythms, melodies, and vibrations can interact directly with the emotions and movements of the audience. This insight became the starting point of my artistic vision: to create experiences that provoke deep emotional and physical reactions.

Over time, the desire grew within me to not only utilize this knowledge but also to pass it on and take it into new artistic dimensions. This led me to pursue a second educational path, combining my practical experience with solid theoretical and artistic research knowledge. My Bachelor’s and subsequent Master’s degrees in music, movement, and performing arts in social fields have allowed me to elevate my practice to a new level.

Today, my goal is to create interactive experiences that encourage the audience to become active – not just passively consuming artistic events, but to actively shape them through their own participation. This participatory approach is essential for my work because I believe that art should not only be observed but also experienced and shared.

In addition to my own artistic practice, I am also passionate about transmitting these unique processes. Through workshops and collaborative projects, I create spaces where people can experience the transformative power of art and discover their own creativity.

Ich bin Abelha Supersónica – eine Künstlerin und Forscherin, die eine große Leidenschaft für installative, performative und interaktive Arbeiten hegt, um immersive Erlebnisse zu schaffen bei dem die Besuchenden Teil des Kunstwerkes werden. Ein Schwerpunkt meiner Arbeit liegt in der Erforschung neuer Formen des künstlerischen Ausdrucks, die sich über die Verknüpfung von Körper, Klang und Bewegung schaffen lassen. Bewegung – als Eigenaktivität wie auch Ausdrucksgestaltung – wird zu einem künstlerischen Mittel, mit dem (Klang)Landschaften auf einer körperlich erfahrbaren Ebene gestaltet werden. Meine Arbeit entsteht aus einer tiefen Faszination für sensorische und haptische Erlebnisse – die Kunst, mit den eigenen Händen und dem eigenen Körper die Welt zu berühren, zu formen und zu verstehen. Der Körper selbst ist für mich ein Instrument, das Geschichten erzählt.

Wie können wir durch Klang, Bewegung und Berührung tiefere Verbindungen zu uns selbst und zueinander schaffen? 
Wie können wir durch innovative technologische Entwicklungen, die unsere Wahrnehmung und Interaktionen beeinflussen, menschliche Verbindungen stärken und gleichzeitig eine kritische Auseinandersetzung mit dem Einfluss dieser Technologien auf unsere Gesellschaft ermöglichen?
Welche Rolle kann die Kunst dabei spielen, nicht nur individuelle, sondern auch kollektive Erfahrungen zu fördern, die die sozialen und ethischen Herausforderungen der modernen Welt ansprechen? 

Diese Fragen treiben mich an, meine künstlerischen Grenzen immer weiter auszuloten und Kunst als Medium der Begegnung, des Erlebens und des Lernens zu verstehen.

Mein Werdegang als Künstlerin und Forscherin begann mit einer tiefen Leidenschaft für Klangforschung und Musik. Als Djane, Live-Musikerin und Produzentin habe ich über Jahre hinweg erlebt, wie stark Klang nicht nur den Geist, sondern auch den Körper bewegen kann. Diese Erfahrung hat mich dazu inspiriert, Musik und Performancekunst auf eine Weise zu gestalten, die Menschen nicht nur zum Hören, sondern auch zum Fühlen und zu Austausch einlädt.

Besonders faszinierte mich die Möglichkeit, Klänge auf haptische Weise erfahrbar zu machen. Während meiner Zeit auf der Bühne entwickelte ich eine besondere Sensibilität dafür, wie Rhythmen, Melodien und Vibrationen direkt mit den Emotionen und Bewegungen des Publikums interagieren können. Diese Einsicht wurde zum Ausgangspunkt meiner künstlerischen Vision: Erlebnisse zu schaffen, die tiefgreifende emotionale und körperliche Reaktionen auslösen.

Mit der Zeit wuchs in mir der Wunsch, dieses Wissen nicht nur zu nutzen, sondern es auch weiterzugeben und in neue künstlerische Dimensionen zu führen. Deshalb entschied ich mich für einen zweiten Bildungsweg, um meine praktischen Erfahrungen mit fundierten theoretischen und künstlerisch-forschenden Kenntnissen zu verbinden. Mein Bachelor- und anschließendes Masterstudium in den Bereichen Musik, Bewegung und Performative Künste in sozialen Feldern haben es mir ermöglicht, meine Praxis auf ein neues Level zu heben.

Heute verfolge ich das Ziel interaktive Erlebnisse zu schaffen, die das Publikum dazu einladen, selbst aktiv zu werden und künstlerische Ereignisse nicht nur passiv zu konsumieren, sondern durch eigene Teilhabe aktiv mitzugestalten. Dieser partizipative Ansatz ist essenziell für meine Arbeit, weil ich daran glaube, dass Kunst nicht nur betrachtet, sondern auch erlebt und geteilt werden sollte.

Neben meiner eigenen künstlerischen Praxis liegt mir auch die Vermittlung dieser besonderen Prozesse am Herzen. Durch Workshops und kollaborative Projekte schaffe ich Räume, in denen Menschen die transformative Kraft von Kunst selbst erleben und ihre eigene Kreativität entdecken können.

Einblicke in musikalische Projekte: Abelha Supersónica, Olivia FX