“La monde est non pas ce que je pense, mais ce que je vis“ (Merleau-Ponty 1945: XI f.)
In the spirit of Merleau-Ponty the body is the core of my practice – the central element – as interface of perception and transformation.
Abelha Supersónica is an artist and researcher working in the fields of sound art, installation, and performance. Her practice aims to create interactive experiences that provide physical approach to the world. Additionally she is exploring the potential of innovative (digital) technological developments. Abelha works with various types of media to create immersive experiences that challenge traditional modes of perception. Her goal is to weave individual experiences with collective ones, making the creative process a shared act of co-creation. She lives and works in Berlin, Germany.
A defining example of her work is the project „KlangStimme“. In this project, Abelha explores the transformative power of sound as a medium for personal reflection and collective resonance. At Goetheplatz in Mainz, she initiated a process where participants creatively transformed their own emotions and experiences into sound sequences. With simple, self-made sound instruments, these inner states were translated into audible expressions that were both introspective and communally experienced. The sounds were installed as interactive modules in the public space, allowing visitors to activate the compositions by touch. The installation thus became a dynamic dialogue between the individual and the community, where personal and collective perspectives merged in an ever-changing soundscape. „KlangStimme“ is an exemplary piece showcasing Abelha Supersónica’s ability to translate complex emotional and social dynamics into accessible, participatory artwork.
Abelha Supersónica’s works reflect her commitment to societal issues such as social justice, diversity, and inclusion, as well as her artistic and critical engagement with technological progress. Through participatory and interactive approaches, she creates spaces where these relevant topics can be explored and discussed. Her art invites active participation, encourages the audience to reflect on these issues, and fosters a deeper sense of connection and collective awareness.
Abelha Supersónica ist eine Künstlerin und Forscherin, die in den Bereichen Klangkunst, Installation und Performance tätig ist. Ihre Praxis zielt darauf ab, interaktive Erfahrungen zu schaffen, die einen physischen Zugang zur Welt ermöglichen. Darüber hinaus erforscht sie das Potenzial innovativer (digitaler) technologischer Entwicklungen. Abelha arbeitet mit verschiedenen Medien, um immersive Erlebnisse zu kreieren, die traditionelle Wahrnehmungsweisen herausfordern. Ihr Ziel ist es, individuelle Erfahrungen mit kollektiven zu verweben und den kreativen Prozess zu einem gemeinsamen Akt der Co-Kreation zu machen. Sie lebt und arbeitet in Berlin, Deutschland.
Ein prägendes Beispiel ihrer Arbeit ist das Projekt „KlangStimme“. In diesem Projekt erforscht Abelha die transformative Kraft von Klang als Medium für persönliche Reflexion und kollektive Resonanz. Am Goetheplatz in Mainz initiiert sie einen Prozess, in dem die Teilnehmenden ihre eigenen Emotionen und Erfahrungen kreativ in Klangsequenzen umwandeln. Mit einfachen, selbstgebauten Klanginstrumenten werden diese inneren Zustände in hörbare Ausdrucksformen übersetzt, die sowohl introspektiv als auch gemeinschaftlich erlebbar sind. Die Klänge werden als interaktive Module im öffentlichen Raum installiert, sodass Besucher:innen des Goetheplatzes durch Berührung die Kompositionen aktivieren können. Die Installation entwickelt sich so zu einem lebendigen Dialog zwischen Individuum und Gemeinschaft, in dem persönliche und kollektive Perspektiven in einer sich ständig verändernden Klanglandschaft miteinander verschmelzen. „KlangStimme“ ist ein herausragendes Beispiel für Abelha Supersónicas Fähigkeit, komplexe emotionale und soziale Dynamiken in ein zugängliches, partizipatives Kunstwerk zu übersetzen.
Abelha Supersónicas Arbeiten spiegeln ihr Engagement für gesellschaftliche Themen wie soziale Gerechtigkeit, Diversität und Inklusion sowie ihre künstlerische als auch kritische Auseinandersetzung mit technologischem Fortschritt. Durch partizipatorische und interaktive Ansätze schafft sie Räume, in denen diese relevanten Themen erforscht und diskutiert werden können. Ihre Kunst lädt zur aktiven Beteiligung ein, regt das Publikum zum Nachdenken an und fördert ein tieferes Gefühl der Verbundenheit und des kollektiven Bewusstseins.
10-11/2022 presentation in the video „Shadow Relations“ @ Atelier Frankfurt Frankfurt am Main, DE
OscillART is an artistic project that develops a unique aesthetic language where sound, movement, and visual elements merge into a profound unity. At its core lies the question of how music, emotions, and spatial as well as visual language can create an aesthetic foundation from which physical performances unfold. This connection results in an extraordinary symbiosis: sounds and inner emotional processes are translated into movement through the body and expressed outwardly in a visually embodied form.
A particularly defining aspect of OscillART is the innovative translation of sound into visual and physical expressions. Shadows play a central role in this process: they are not merely projection surfaces but become active design elements. Through the interplay of sound, light, and movement, dynamic shadow images emerge that enhance the expressive potential of the body while simultaneously creating new aesthetic spaces. The body itself becomes a medium, making the interaction between auditory and visual stimuli tangible.
As part of the video presentation Shadow Relations, this approach is combined with elements of video art and enriched by additional visual components. The work blends sound, light, and movement to artistically explore the complex relationships between shadow and light. Here, shadows are not simply treated as visual elements but as integral components that, through their interaction with sound, create new visual and emotional depths within the space.
The goal of OscillART is to foster a heightened awareness of the subtle connections between sound, shadow, and the body. It invites the audience to experience the impact of sound and light in a new, profound context, encouraging an enhanced perception of space and the body. The performances inspire reflection on how inner processes can not only be experienced but also made visible through art.
OscillART creates an interdisciplinary space that rethinks the boundaries between music, visual art, and physical performance in an innovative way. It is not just about artistic representation but about establishing an intense dialogue between inner emotions and outer form—one that moves and inspires.
OscillART – Körper Klang Kunst
OscillART ist ein künstlerisches Projekt, das eine einzigartige ästhetische Sprache entwickelt, in der Klang, Bewegung und visuelle Elemente zu einer tiefgreifenden Einheit verschmelzen. Im Zentrum steht die Frage, wie Musik, Emotionen und räumliche wie bildliche Sprache ein ästhetisches Fundament schaffen können, aus dem sich körperliche Performances entfalten. Diese Verbindung führt zu einer außergewöhnlichen Symbiose: Klänge und innere emotionale Prozesse werden durch den Körper in Bewegung umgesetzt und auf visuell-körperliche Weise nach außen getragen.
Ein besonders prägender Aspekt von OscillART ist die innovative Übersetzung von Klang in visuelle und körperliche Ausdrucksformen. Der Schatten spielt dabei eine zentrale Rolle: Er dient nicht nur als Projektionsfläche, sondern wird zu einem aktiven Gestaltungselement. Durch das Zusammenspiel von Klang, Licht und Bewegung entstehen dynamische Schattenbilder, die das Ausdruckspotenzial des Körpers erweitern und zugleich neue ästhetische Räume eröffnen. Der Körper selbst wird so zum Medium, das die Wechselwirkung zwischen auditiven und visuellen Reizen erfahrbar macht.
Als Bestandteil der Videopräsentation „Shadow Relations“ wird dieser Ansatz mit Elementen der Videokunst verknüpft und durch zusätzliche visuelle Aspekte ergänzt. Die Arbeit kombiniert Klang, Licht und Bewegung, um die komplexen Beziehungen zwischen Schatten und Licht künstlerisch zu erkunden. Hier wird der Schatten nicht bloß als visuelles Element betrachtet, sondern als integraler Bestandteil, der durch die Interaktion mit Klang neue visuelle und emotionale Tiefen im Raum schafft.
Das Ziel von OscillART ist es, ein intensiveres Bewusstsein für die subtilen Verbindungen zwischen Klang, Schatten und Körper zu schaffen. Es lädt das Publikum ein, die Wirkung von Klang und Licht in einem neuen, tiefgreifenden Zusammenhang zu erleben und eine verstärkte Wahrnehmung von Raum und Körper zu entwickeln. Die Performances regen zur Reflexion an, wie innere Prozesse durch Kunst nicht nur erfahrbar, sondern auch sichtbar gemacht werden können.
Mit OscillART entsteht ein interdisziplinärer Raum, der die Grenzen zwischen Musik, visueller Kunst und Körperperformance auf innovative Weise neu denkt. Dabei geht es nicht nur um künstlerische Darstellung, sondern um die Erschaffung eines intensiven Dialogs zwischen innerem Empfinden und äußerer Form, der berührt und inspiriert.
audiowalk – audio memories – sound & emotions – the sound of places
The city is a hodgepodge of sound locations - countless frequencies that oscillate between a curse and a blessing. Each place has its own unique soundscape, which can reveal incredible things if you listen carefully. Abelha took on this special sound characteristic with a field recorder and intensively researched the sound of two places in Frankfurt am Main's industrial district in the east. The atmosphere of the place was internalized and, in dealing with the resulting associations, these were put into words.
Stadtgeräusche – zwischen Qual und Inspiration
Die Stadt ist ein Sammelsurium an Klangorten – unzählige Frequenzen, die zwischen Fluch und Segen schwanken. Jeder Ort hat seine eigene einzigartige Klanglandschaft, die bei genauem Hinhören Unglaubliches offenbaren kann. Abelha nahm sich dieser besonderen Klangcharakteristik mit einem Fieldrecorder an und erforschte intensiv den Klang zweier Orte im Industriegebiet von Frankfurt am Main im Osten. Die Atmosphäre des Ortes wurde verinnerlicht und in der Auseinandersetzung mit den daraus resultierenden Assoziationen in Worte gefasst.
25.10. – 27.10.2024 Naxos Hallen/ Frankfurt am Main, DE #composition #sound design #music
Am Übergang des Mittelalters zur Neuzeit tanzen hunderte Menschen exzessiv über Wochen auf den Plätzen von Straßburg. Für viele endet die Tanzwut erst mit dem Tod. Bis heute ist ungeklärt, was damals genau geschah. Eine Krankheit? Dämonische Besessenheit? Massenhysterie? Eine Gegengesellschaft? Was unterschiedliche Perspektiven in der Tanzwut sehen, zeigt auch, wie sie die Welt sehen. Was ist mit Rausch und Ekstase? Der Titel „Die Bakchen“ stammt von einem antiken Drama, in dem Dionysos alle grausam bestraft, die ihm die Verehrung durch Tanz verweigern.
Diese Performance unternimmt den abenteuerlichen Versuch, sich in das mittelalterliche Geschehen einzufühlen. Das Publikum kann diese Übung in der Fantasie oder mit dem eigenen Körper machen. Zu erahnen, was damals geschah, rückt zugleich die Gegenwart in den Blick. Unvermittelt wird die Raving Society eine plausiblere Lebensform, als der Wunsch, in einer Gesellschaft zu funktionieren, die bald sowieso zusammenbricht. Jetzt ist die Frage nur noch, ob der Beat kickt.
Der Sound führt in eine undefinierbare Welt, zwischen mystischen Welten und greifbarer Textur – er kriecht langsam in den Körper und bringt die Glieder in Zuckungen, bis der Beat die Kontrolle übernimmt und in eine Tanzwut führt…
TEXT, REGIE: Philipp Scholtysik SOUNDSCAPE, MUSIK: Abelha Supersónica STIMME: Ruth Schmidt, Philipp Scholtysik RAUM: Nils Wildegans DRAMATURGIE: Jacob Bussmann KONZEPTIONELLER INPUT: Frédéric De Carlo PRODUKTION: Laura-Marie Preßmar
This improvisation emerged as part of the experimental phase of the research project „KlangBewegung“.
Abelha Supersónica experiments with different settings and materials to explore the interaction of sound and movement, taking into account aspects such as haptics, creativity, flow and expression.
„YOU IMPACT THE WORLD!“ Is a piano performance that develops in the moment of doing. Every sound that happens is a result of the atmosphere that is to feel right in that moment the performance happens. The visitors are a part of the performance and causes what happens. The emotions they bring in and every way of acting, talking, moving effects the atmosphere in the world – what is being showed here in the room, where the performance take place. The visitors can also actively influence the performance through moving, singing, building a creative community – what could end in a special common event together with the piano-performance.
With this performance project the artist Abelha Supersónica want to thematize the subject of digital world, anonymity and how it effects us in our way to live, in our behave and how this can impact the world around us. With this performance Abelha want to sensitize for are respectful together and awareness of body languages and (body) actions. She wants to demonstrate the emotional and psychological effects through the way we are treating us and calls on you to take responsibility for your actions and to be aware of their effects.
Each individual can initiate a change that can have far reaching effects!
To improvise with sounds, with instruments, with technic, with the (inter-)medium is for me the most important way to come closer to the medium I work with, to its spectrum of emotional and embodied effects. The improvisation gives me the possibility to transform the actual emotional condition into sound, to work out and to express what happens in me – how the world effects me.
The improvisation takes the initial distance apart from me and let me create a deep connection with the material, the sound character, the embodied sound, and the movement that is a part of the sound, a part of my body, a part of the room and which is beeing created through the sound in many ways.
Before I work on a concrete project there is always the improvisation phase. And there are also projects where the improvisation is a main part of the event.
In collaboration works the improvisation let’s find a common flow that lets initiate the common working process in a special way.
In my workshops with different target groups the improvisation phase is the most important in the beginning – that everybody can find an access to the medium, to the group and especially to himself. Through the low-threshold access everybody can be a part of the group and can find its own way to express through art and to open up to artistic-social processes.
Build your own analog sound generator/s and explore… I like to experiment with materials and their sound characters. To explore simple analog sound generators in the group of membranophones, ideophones and chordophones and build them by myself. After an intensive exploration of soundcharacters of the different materials to build simple instruments or a group of – combined in a soundbox. After that comes the (common) exploration and improvisation time that ends in a (common) sound event.
A sound journey with sound modules
The sound modules gives the chance to record own sounds over the built in microphone. There are different ways to explore the modules in finding different resonation corps to amplify the sound. To explore the voice and the world around with its magic of sounds. And after an intensive exploration and improvisation time, especially in a group, there is the chance to create an own composition and to arrange it I a variety of ways. A finish recording result can be bundled in a common exhibition in form of a interactive sound installation – that let also the recipients go to be a producer and actively composes unique moments.
Experimenting with Piezos or modify existing instruments…
Do you ever heard the sound of your kaktus?
With the Piezo it’s possible to make sounds hearable and dive deep into a new sound world. Every material that is resonating in any way – and also if not (but maybe the result is not very impressive then 😉 you can bring up in an other auditive light with the Piezo. A very special way of sound exploration that gives also the possibility to play with the sounds with the help of effects that let emerge us into a new sound world.
#interactive sound installations #participative interventions #performances #sound & movement art – KlangBewegung
Research-project „KlangBewegung“ – KlangBewegung – A Synergy of Sound, Movement, and Technology
The research project addresses the body as an interface at the intersection of art and technology. With the media sound and movement I explore the potential of artistic-aesthetic experience and the formation of a (creative) community through artistic and social processes. Using an experimental approach and interdisciplinary approaches, I examine a wide variety of materials, spatial constellations and settings for their effects. Key aspects include: interaction, haptics, physicality, “flow” experience in the artistic process, creative and social negotiation processes, as well as sensory perception during production and reception.
Details
KlangBewegung is an innovative research project at the intersection of art and technology, where the human body takes center stage as both an interface and a medium of expression. Initiated in 2023, the project explores the transformative potential of sound and movement as tools for artistic-aesthetic experience and the formation of creative communities.
Through an experimental and interdisciplinary lens, KlangBewegung investigates the interplay of materials, spatial dynamics, and sensory perception. It invites participants into an open artistic research space where sound and movement are intricately linked. By employing cutting-edge tools such as the MIDI controller Playtron and voltage-controlled sensors, the project transforms touch and movement into immersive soundscapes. Conductive materials, ranging from human skin to plants, create tactile, interactive experiences, redefining the body as a dynamic, living instrument.
The topic was also explored in greater depth as part of my master’s thesis, „KlangBewegung – Haptic Performance Art Between (Body) Medium and Interface.“
Concepts and Methodology
At its heart, KlangBewegung is a sensory exploration that merges technical innovation with creative expression. The project emphasizes:
Interaction and Physicality: Using the body as an instrument, participants engage with technology to produce and manipulate sounds, fostering a „flow“ experience that integrates movement and auditory feedback.
Haptics and Tactile Perception: Unique materials generate unconventional sensory experiences, deepening participants‘ connection to their own physicality and surroundings.
Social and Creative Processes: The interactive nature of the project encourages co-creation, dialogue, and communal negotiation, cultivating inclusive, participatory environments.
Phenomenological Approach: Drawing inspiration from Maurice Merleau-Ponty, the body is positioned as an active participant in the perception process, enabling new forms of spatial and self-awareness.
Goals
KlangBewegung aims to create multisensory, immersive experiences that go beyond traditional artistic practices. By integrating dance, music, visual arts, neuroscience, and philosophy, it generates fresh insights into interface design and sensory perception. Key objectives include:
Fostering Self-Awareness: Through embodiment and interaction, participants gain a deeper understanding of their connection to space and self.
Promoting Creativity and Collaboration: Improvisation and co-creation turn participants into active contributors, cultivating creative communities and inclusive artistic spaces.
Advancing Educational and Social Processes: The project’s participatory formats make it a powerful tool for educational institutions, community engagement, and arts events, bridging diverse audiences and fostering mutual understanding.
Since its inception, KlangBewegung has been presented through workshops, performances, and experimental formats. Each iteration serves as both a creative exploration and a platform for community-building. Rooted in the principles of haptic performance art and expanded upon in the artist’s Master’s thesis, the project embodies a unique blend of artistic and scientific inquiry.
Whether experienced in a performance setting or an interactive workshop, KlangBewegung inspires participants to reimagine their relationship with sound, space, and each other, demonstrating the profound potential of art and technology to shape human connection and understanding.
By merging technology with the tactile and the auditory, KlangBewegung repositions the body at the forefront of creative and sensory exploration. It not only enriches the fields of aesthetic and artistic research but also offers innovative approaches to education and community-building, making it a vital project for anyone intrigued by the transformative power of art.
How to experiment with sensors and midi-controllers in SoundMovement-performances…
How to use midi-controllers for social & creative negotiation processes…
Forschungsprojekt „KlangBewegung“
Das Forschungsprojekt thematisiert den Körper als Interface an der Schnittstelle Kunst und Technik. Mit den Medien Klang und Bewegung erforsche ich dabei das Potential der künstlerisch-ästhetischen Erfahrung und die Bildung einer (kreativen) Gemeinschaft durch künstlerische und soziale Prozesse. Mithilfe einer experimentellen Herangehensweise und interdiszipli- nären Ansätze untersuche ich verschiedenste Materialien, Raumkon- stellationen und Settings auf ihre Auswirkungen. Wesentliche Aspekte dabei sind unter anderem: Interaktion, Haptik, Körperlichkeit, „Flow“-Erleben im künstlerischen Prozess, kreative und soziale Aushandlungsprozesse, sowie die sinnliche Wahrnehmung bei Poduktion und Rezeption.
Die Thematik wurde auch im Rahmen meiner Masterarbeit „KlangBewegung – Haptische Performancekunst zwischen (Körper-)Medium und Interface tiefergehend untersucht.
Wie Midi-Controller für soziale und kreative Aushandlungsprozesse genutzt werden können…
KlangBewegung – Eine Symbiose von Klang, Bewegung und Technologie
Details
KlangBewegung ist ein innovatives Forschungsprojekt an der Schnittstelle von Kunst und Technologie, in dem der menschliche Körper im Mittelpunkt steht – sowohl als Interface als auch als Medium des Ausdrucks. Das 2023 initiierte Projekt erforscht das transformative Potenzial von Klang und Bewegung als Werkzeuge für künstlerisch-ästhetische Erfahrungen und die Bildung kreativer Gemeinschaften.
Durch eine experimentelle und interdisziplinäre Herangehensweise untersucht KlangBewegung das Zusammenspiel von Materialien, räumlichen Dynamiken und sensorischer Wahrnehmung. Es lädt die Teilnehmenden in einen offenen künstlerischen Forschungsraum ein, in dem Klang und Bewegung eng miteinander verbunden sind. Mithilfe moderner Werkzeuge wie dem MIDI-Controller Playtron und spannungsgesteuerter Sensoren verwandelt das Projekt Berührungen und Bewegungen in immersive Klanglandschaften. Leitfähige Materialien – von menschlicher Haut bis hin zu Pflanzen – schaffen taktile, interaktive Erlebnisse und definieren den Körper als dynamisches, lebendiges Instrument neu.
Idee und Methodik
Im Zentrum von KlangBewegung steht eine sinnliche Erforschung, die technische Innovation mit kreativer Ausdruckskraft vereint. Das Projekt legt besonderen Fokus auf:
Interaktion und Körperlichkeit: Der Körper wird als Instrument genutzt, um mit Technologie Klänge zu erzeugen und zu manipulieren. Dies ermöglicht ein „Flow“-Erlebnis, das Bewegung und akustisches Feedback integriert.
Haptik und taktile Wahrnehmung: Ungewöhnliche Materialien erzeugen neuartige sensorische Erfahrungen und vertiefen die Verbindung der Teilnehmenden zu ihrer eigenen Körperlichkeit und Umgebung.
Soziale und kreative Prozesse: Die interaktive Natur des Projekts fördert Co-Kreation, Dialog und gemeinschaftliche Verhandlung, wodurch inklusive, partizipative Umgebungen entstehen.
Phänomenologischer Ansatz: Inspiriert von Maurice Merleau-Ponty wird der Körper als aktiver Teilnehmer im Wahrnehmungsprozess positioniert, wodurch neue Formen von Raum- und Selbstwahrnehmung ermöglicht werden.
Zielsetzungen
KlangBewegung hat das Ziel, multisensorische, immersive Erfahrungen zu schaffen, die über traditionelle künstlerische Praktiken hinausgehen. Durch die Integration von Tanz, Musik, Bildender Kunst, Neurowissenschaft, und Philosophie liefert das Projekt neue Erkenntnisse zu Interface-Design und sensorischer Wahrnehmung. Die Hauptziele umfassen:
Förderung der Selbstwahrnehmung: Durch Verkörperung und Interaktion gewinnen die Teilnehmenden ein tieferes Verständnis für ihre Verbindung zu Raum und Selbst.
Förderung von Kreativität und Zusammenarbeit: Improvisation und Co-Kreation machen die Teilnehmenden zu aktiven Mitgestaltenden und fördern kreative Gemeinschaften sowie inklusive künstlerische Räume.
Weiterentwicklung von Bildungs- und sozialen Prozessen: Die partizipativen Formate des Projekts machen es zu einem wirkungsvollen Werkzeug für Bildungseinrichtungen, Gemeinschaftsarbeit und Kunstveranstaltungen, indem es diverse Zielgruppen zusammenbringt und gegenseitiges Verständnis fördert.
Seit seiner Gründung wird KlangBewegung durch Workshops, Performances und experimentelle Formate präsentiert. Jede Iteration dient sowohl als kreative Erkundung als auch als Plattform für Gemeinschaftsbildung. Das Projekt basiert auf den Prinzipien der haptischen Performancekunst und wurde in der Masterarbeit der Künstlerin weiter vertieft. Es vereint auf einzigartige Weise künstlerische und wissenschaftliche Forschung.
Ob in einer Performance oder einem interaktiven Workshop erlebt – KlangBewegung inspiriert die Teilnehmenden, ihre Beziehung zu Klang, Raum und zueinander neu zu denken. Es zeigt eindrucksvoll, wie Kunst und Technologie das Potenzial haben, menschliche Verbindung und Erkenntnis zu prägen.
Indem Technologie mit dem Taktilem und Akustischem verbunden wird, positioniert KlangBewegung den Körper neu im Mittelpunkt kreativer und sinnlicher Exploration. Das Projekt bereichert nicht nur die ästhetische und künstlerische Forschung, sondern bietet auch innovative Ansätze für Bildung und Gemeinschaftsarbeit – und wird so zu einem bedeutenden Projekt für alle, die sich für die transformative Kraft der Kunst begeistern.
Künstlerische Arbeit im Gewerk Bewegung und Performance
Mit 40 Kids der 8. Klassen einer ISS aus Berlin wurde in 5 Tagen künstlerisch-pädagogische Arbeit in unterschiedlichen Gewerken durchgeführt. Dabei wurden die Kids aufgeteilt in 5 Gewerke (Theater, Bühnenbild/ Kostüm, Musik, Tanz und Video). In den jeweiligen Gruppen wurde erst mit den jeweiligen Künstler:innen & Leiter:innen der Gewerke etwas künstlerisches zum Thema erarbeitet. Dabei waren die Künstlerischen Leitungen in ständigem Austausch, damit das Gesamtbild sich langsam formen kann. Ab dem 3. Tag wurde dann langsam angefangen die einzelnen Erarbeitungen zusammen zusetzen, um dann eine gemeinsame Aufführung einzustudieren, die am letzten Tag dann auf der Bühne mit Licht- & Tontechnik dem Publikum (Eltern, Lehrkräfte & andere Schulklassen) präsentieren zu können.
