^{#interactive sound installations #participative interventions #performances #sound & movement art – KlangBewegung}

Research-project „KlangBewegung“ – KlangBewegung – A Synergy of Sound, Movement, and Technology

Details

KlangBewegung is an innovative research project at the intersection of art and technology, where the human body takes center stage as both an interface and a medium of expression. Initiated in 2023, the project explores the transformative potential of sound and movement as tools for artistic-aesthetic experience and the formation of creative communities.

Through an experimental and interdisciplinary lens, KlangBewegung investigates the interplay of materials, spatial dynamics, and sensory perception. It invites participants into an open artistic research space where sound and movement are intricately linked. By employing cutting-edge tools such as the MIDI controller Playtron and voltage-controlled sensors, the project transforms touch and movement into immersive soundscapes. Conductive materials, ranging from human skin to plants, create tactile, interactive experiences, redefining the body as a dynamic, living instrument.

The topic was also explored in greater depth as part of my master’s thesis, „KlangBewegung – Haptic Performance Art Between (Body) Medium and Interface.“

Concepts and Methodology

At its heart, KlangBewegung is a sensory exploration that merges technical innovation with creative expression. The project emphasizes:

• Interaction and Physicality: Using the body as an instrument, participants engage with technology to produce and manipulate sounds, fostering a „flow“ experience that integrates movement and auditory feedback.
• Haptics and Tactile Perception: Unique materials generate unconventional sensory experiences, deepening participants‘ connection to their own physicality and surroundings.
• Social and Creative Processes: The interactive nature of the project encourages co-creation, dialogue, and communal negotiation, cultivating inclusive, participatory environments.
• Phenomenological Approach: Drawing inspiration from Maurice Merleau-Ponty, the body is positioned as an active participant in the perception process, enabling new forms of spatial and self-awareness.

Goals

KlangBewegung aims to create multisensory, immersive experiences that go beyond traditional artistic practices. By integrating dance, music, visual arts, neuroscience, and philosophy, it generates fresh insights into interface design and sensory perception. Key objectives include:

• Fostering Self-Awareness: Through embodiment and interaction, participants gain a deeper understanding of their connection to space and self.
• Promoting Creativity and Collaboration: Improvisation and co-creation turn participants into active contributors, cultivating creative communities and inclusive artistic spaces.
• Advancing Educational and Social Processes: The project’s participatory formats make it a powerful tool for educational institutions, community engagement, and arts events, bridging diverse audiences and fostering mutual understanding.

Since its inception, KlangBewegung has been presented through workshops, performances, and experimental formats. Each iteration serves as both a creative exploration and a platform for community-building. Rooted in the principles of haptic performance art and expanded upon in the artist’s Master’s thesis, the project embodies a unique blend of artistic and scientific inquiry.

Whether experienced in a performance setting or an interactive workshop, KlangBewegung inspires participants to reimagine their relationship with sound, space, and each other, demonstrating the profound potential of art and technology to shape human connection and understanding.

By merging technology with the tactile and the auditory, KlangBewegung repositions the body at the forefront of creative and sensory exploration. It not only enriches the fields of aesthetic and artistic research but also offers innovative approaches to education and community-building, making it a vital project for anyone intrigued by the transformative power of art.

How to experiment with sensors and midi-controllers in SoundMovement-performances…

How to use midi-controllers for social & creative negotiation processes…

Forschungsprojekt „KlangBewegung“

Wie Midi-Controller für soziale und kreative Aushandlungsprozesse genutzt werden können…

KlangBewegung – Eine Symbiose von Klang, Bewegung und Technologie

Details

KlangBewegung ist ein innovatives Forschungsprojekt an der Schnittstelle von Kunst und Technologie, in dem der menschliche Körper im Mittelpunkt steht – sowohl als Interface als auch als Medium des Ausdrucks. Das 2023 initiierte Projekt erforscht das transformative Potenzial von Klang und Bewegung als Werkzeuge für künstlerisch-ästhetische Erfahrungen und die Bildung kreativer Gemeinschaften.

Durch eine experimentelle und interdisziplinäre Herangehensweise untersucht KlangBewegung das Zusammenspiel von Materialien, räumlichen Dynamiken und sensorischer Wahrnehmung. Es lädt die Teilnehmenden in einen offenen künstlerischen Forschungsraum ein, in dem Klang und Bewegung eng miteinander verbunden sind. Mithilfe moderner Werkzeuge wie dem MIDI-Controller Playtron und spannungsgesteuerter Sensoren verwandelt das Projekt Berührungen und Bewegungen in immersive Klanglandschaften. Leitfähige Materialien – von menschlicher Haut bis hin zu Pflanzen – schaffen taktile, interaktive Erlebnisse und definieren den Körper als dynamisches, lebendiges Instrument neu.

Idee und Methodik

Im Zentrum von KlangBewegung steht eine sinnliche Erforschung, die technische Innovation mit kreativer Ausdruckskraft vereint. Das Projekt legt besonderen Fokus auf:

• Interaktion und Körperlichkeit: Der Körper wird als Instrument genutzt, um mit Technologie Klänge zu erzeugen und zu manipulieren. Dies ermöglicht ein „Flow“-Erlebnis, das Bewegung und akustisches Feedback integriert.
• Haptik und taktile Wahrnehmung: Ungewöhnliche Materialien erzeugen neuartige sensorische Erfahrungen und vertiefen die Verbindung der Teilnehmenden zu ihrer eigenen Körperlichkeit und Umgebung.
• Soziale und kreative Prozesse: Die interaktive Natur des Projekts fördert Co-Kreation, Dialog und gemeinschaftliche Verhandlung, wodurch inklusive, partizipative Umgebungen entstehen.
• Phänomenologischer Ansatz: Inspiriert von Maurice Merleau-Ponty wird der Körper als aktiver Teilnehmer im Wahrnehmungsprozess positioniert, wodurch neue Formen von Raum- und Selbstwahrnehmung ermöglicht werden.

Zielsetzungen

KlangBewegung hat das Ziel, multisensorische, immersive Erfahrungen zu schaffen, die über traditionelle künstlerische Praktiken hinausgehen. Durch die Integration von Tanz, Musik, Bildender Kunst, Neurowissenschaft, und Philosophie liefert das Projekt neue Erkenntnisse zu Interface-Design und sensorischer Wahrnehmung. Die Hauptziele umfassen:

• Förderung der Selbstwahrnehmung: Durch Verkörperung und Interaktion gewinnen die Teilnehmenden ein tieferes Verständnis für ihre Verbindung zu Raum und Selbst.
• Förderung von Kreativität und Zusammenarbeit: Improvisation und Co-Kreation machen die Teilnehmenden zu aktiven Mitgestaltenden und fördern kreative Gemeinschaften sowie inklusive künstlerische Räume.
• Weiterentwicklung von Bildungs- und sozialen Prozessen: Die partizipativen Formate des Projekts machen es zu einem wirkungsvollen Werkzeug für Bildungseinrichtungen, Gemeinschaftsarbeit und Kunstveranstaltungen, indem es diverse Zielgruppen zusammenbringt und gegenseitiges Verständnis fördert.

Seit seiner Gründung wird KlangBewegung durch Workshops, Performances und experimentelle Formate präsentiert. Jede Iteration dient sowohl als kreative Erkundung als auch als Plattform für Gemeinschaftsbildung. Das Projekt basiert auf den Prinzipien der haptischen Performancekunst und wurde in der Masterarbeit der Künstlerin weiter vertieft. Es vereint auf einzigartige Weise künstlerische und wissenschaftliche Forschung.

Ob in einer Performance oder einem interaktiven Workshop erlebt – KlangBewegung inspiriert die Teilnehmenden, ihre Beziehung zu Klang, Raum und zueinander neu zu denken. Es zeigt eindrucksvoll, wie Kunst und Technologie das Potenzial haben, menschliche Verbindung und Erkenntnis zu prägen.

Indem Technologie mit dem Taktilem und Akustischem verbunden wird, positioniert KlangBewegung den Körper neu im Mittelpunkt kreativer und sinnlicher Exploration. Das Projekt bereichert nicht nur die ästhetische und künstlerische Forschung, sondern bietet auch innovative Ansätze für Bildung und Gemeinschaftsarbeit – und wird so zu einem bedeutenden Projekt für alle, die sich für die transformative Kraft der Kunst begeistern.

I am Abelha Supersónica – an artist and researcher who is passionate about installation, performance and interactive work to create immersive experiences where the visitor becomes part of the artwork. A focus of my work is the exploration of new forms of artistic expression that can be created through the combination of body, sound and movement. Movement – as self-activity as well as expression – becomes an artistic tool to create (sound)scapes on a physically perceptible level. My work stems from a deep fascination with sensory and tactile experiences – the art of touching, shaping, and understanding the world with one’s hands and body. For me, the body itself is an instrument that tells stories.

How can we create deeper connections with ourselves and each other through sound, movement, and touch? 
How can we, through innovative technological developments that shape our perception and interactions, strengthen human connections while also critically addressing the impact of these technologies on our society? 
What role can art play in fostering not only individual but also collective experiences that engage with the social and ethical challenges of the modern world? 

These questions drive me to continually push the boundaries of my artistic practice and to understand art as a medium for encounter, experience, and learning.

My journey as an artist and researcher began with a profound passion for sound research and music. As a DJ, live musician, and producer, I have experienced firsthand how sound can move not only the mind but also the body. This experience inspired me to create music and performance art in a way that invites people not only to listen but also to feel and exchange.

I was particularly fascinated by the possibility of making sound experientially tangible. During my time on stage, I developed a special sensitivity to how rhythms, melodies, and vibrations can interact directly with the emotions and movements of the audience. This insight became the starting point of my artistic vision: to create experiences that provoke deep emotional and physical reactions.

Over time, the desire grew within me to not only utilize this knowledge but also to pass it on and take it into new artistic dimensions. This led me to pursue a second educational path, combining my practical experience with solid theoretical and artistic research knowledge. My Bachelor’s and subsequent Master’s degrees in music, movement, and performing arts in social fields have allowed me to elevate my practice to a new level.

Today, my goal is to create interactive experiences that encourage the audience to become active – not just passively consuming artistic events, but to actively shape them through their own participation. This participatory approach is essential for my work because I believe that art should not only be observed but also experienced and shared.

In addition to my own artistic practice, I am also passionate about transmitting these unique processes. Through workshops and collaborative projects, I create spaces where people can experience the transformative power of art and discover their own creativity.

Ich bin Abelha Supersónica – eine Künstlerin und Forscherin, die eine große Leidenschaft für installative, performative und interaktive Arbeiten hegt, um immersive Erlebnisse zu schaffen bei dem die Besuchenden Teil des Kunstwerkes werden. Ein Schwerpunkt meiner Arbeit liegt in der Erforschung neuer Formen des künstlerischen Ausdrucks, die sich über die Verknüpfung von Körper, Klang und Bewegung schaffen lassen. Bewegung – als Eigenaktivität wie auch Ausdrucksgestaltung – wird zu einem künstlerischen Mittel, mit dem (Klang)Landschaften auf einer körperlich erfahrbaren Ebene gestaltet werden. Meine Arbeit entsteht aus einer tiefen Faszination für sensorische und haptische Erlebnisse – die Kunst, mit den eigenen Händen und dem eigenen Körper die Welt zu berühren, zu formen und zu verstehen. Der Körper selbst ist für mich ein Instrument, das Geschichten erzählt.

Wie können wir durch Klang, Bewegung und Berührung tiefere Verbindungen zu uns selbst und zueinander schaffen? 
Wie können wir durch innovative technologische Entwicklungen, die unsere Wahrnehmung und Interaktionen beeinflussen, menschliche Verbindungen stärken und gleichzeitig eine kritische Auseinandersetzung mit dem Einfluss dieser Technologien auf unsere Gesellschaft ermöglichen?
Welche Rolle kann die Kunst dabei spielen, nicht nur individuelle, sondern auch kollektive Erfahrungen zu fördern, die die sozialen und ethischen Herausforderungen der modernen Welt ansprechen? 

Diese Fragen treiben mich an, meine künstlerischen Grenzen immer weiter auszuloten und Kunst als Medium der Begegnung, des Erlebens und des Lernens zu verstehen.

Mein Werdegang als Künstlerin und Forscherin begann mit einer tiefen Leidenschaft für Klangforschung und Musik. Als Djane, Live-Musikerin und Produzentin habe ich über Jahre hinweg erlebt, wie stark Klang nicht nur den Geist, sondern auch den Körper bewegen kann. Diese Erfahrung hat mich dazu inspiriert, Musik und Performancekunst auf eine Weise zu gestalten, die Menschen nicht nur zum Hören, sondern auch zum Fühlen und zu Austausch einlädt.

Besonders faszinierte mich die Möglichkeit, Klänge auf haptische Weise erfahrbar zu machen. Während meiner Zeit auf der Bühne entwickelte ich eine besondere Sensibilität dafür, wie Rhythmen, Melodien und Vibrationen direkt mit den Emotionen und Bewegungen des Publikums interagieren können. Diese Einsicht wurde zum Ausgangspunkt meiner künstlerischen Vision: Erlebnisse zu schaffen, die tiefgreifende emotionale und körperliche Reaktionen auslösen.

Mit der Zeit wuchs in mir der Wunsch, dieses Wissen nicht nur zu nutzen, sondern es auch weiterzugeben und in neue künstlerische Dimensionen zu führen. Deshalb entschied ich mich für einen zweiten Bildungsweg, um meine praktischen Erfahrungen mit fundierten theoretischen und künstlerisch-forschenden Kenntnissen zu verbinden. Mein Bachelor- und anschließendes Masterstudium in den Bereichen Musik, Bewegung und Performative Künste in sozialen Feldern haben es mir ermöglicht, meine Praxis auf ein neues Level zu heben.

Heute verfolge ich das Ziel interaktive Erlebnisse zu schaffen, die das Publikum dazu einladen, selbst aktiv zu werden und künstlerische Ereignisse nicht nur passiv zu konsumieren, sondern durch eigene Teilhabe aktiv mitzugestalten. Dieser partizipative Ansatz ist essenziell für meine Arbeit, weil ich daran glaube, dass Kunst nicht nur betrachtet, sondern auch erlebt und geteilt werden sollte.

Neben meiner eigenen künstlerischen Praxis liegt mir auch die Vermittlung dieser besonderen Prozesse am Herzen. Durch Workshops und kollaborative Projekte schaffe ich Räume, in denen Menschen die transformative Kraft von Kunst selbst erleben und ihre eigene Kreativität entdecken können.

Einblicke in musikalische Projekte: Abelha Supersónica, Olivia FX

31.08.2023 @ Museum angewandte Kunst Frankfurt am Main, DE

#concept #choreography #performance #sound design #movement art #sound art

“Flow/Irritation” is not merely a performance; it is an embodiment of sound, an intense dialogue between human, technology, and space that creates a unique aesthetic experience. The technological capabilities of the Playtron interface are not simply used as tools to produce sounds, but as an interface that enables a deeper, sensory experience of the body’s physical and emotional presence. What emerges is an artistic reality that oscillates between the poles of sound and touch, movement and technology, transforming the space into a shimmering network of impressions.

Irritation – Flow is an interactive performance that uniquely stages the dialogue between body, technology, and space. It explores the tension between irritation and flow—two states that, in their interplay, open up new creative possibilities. Planned movements are intentionally interrupted by technical disruptions, challenging the performer to spontaneously adapt and find creative solutions. These „interruptions“ are not seen as setbacks but as opportunities that lead art down unexplored paths.

The performance uses the body as a sound generator, translating movement into sound through sensors and digital technology. Everyday materials like skin, plants, and objects interact with the technology to create a vibrant soundscape. What makes this performance especially unique is the active involvement of the audience: they become co-creators, influencing the course of the performance through their own reactions. This creates an ever-changing, collaborative experience.

„Irritation – Flow“ is rooted in the research approaches of the project „KlangBewegung,“ which explores new forms of interactive and participatory art. The project not only fosters creative processes but also demonstrates significant potential for social and educational contexts. It invites participants to discover new ways of collaboration and reflection, activating social, creative, and educational processes.

31.08.2023 a s a part of Daniel Theiler´s installation FUNARAL @ Museum für angewandte Kunst, Frankfurt am Main, the work explores a social field in a new way and used the transformation processes of technic, body, sound and movement to make their flows visible for the audience.

In doing so, it challenges a conscious irritation that wants to stimulate new impulses in the context of space, technology and body.

Irritation – Flow ist eine interaktive Performance, die den Dialog zwischen Körper, Technologie und Raum auf einzigartige Weise inszeniert. Sie untersucht das Spannungsfeld zwischen Irritation und Flow – zwei Zuständen, die in ihrem Zusammenspiel neue kreative Möglichkeiten eröffnen. Geplante Bewegungen werden absichtlich durch technische Störungen unterbrochen, wodurch die Performerin herausgefordert wird, sich spontan anzupassen und kreative Lösungen zu finden. Diese „Störungen“ werden nicht als Rückschläge, sondern als Chancen verstanden, die die Kunst auf unerforschte Wege führen.

Die Performance nutzt den Körper als Klangquelle, indem Bewegungen mit Sensoren und digitalen Technologien in Sound übersetzt werden. Alltagsmaterialien wie Haut, Pflanzen und Objekte interagieren mit der Technologie und schaffen eine lebendige Klanglandschaft. Besonders einzigartig ist die aktive Einbindung des Publikums: Es wird zum Co-Kreator und beeinflusst durch eigene Reaktionen den Verlauf der Performance. So entsteht eine sich ständig wandelnde, kollaborative Erfahrung.

„Irritation – Flow“ basiert auf den Forschungsansätzen des Projekts „KlangBewegung“, das neue Formen interaktiver und partizipativer Kunst erforscht. Das Projekt fördert nicht nur kreative Prozesse, sondern zeigt auch großes Potenzial für soziale und bildende Kontexte. Es lädt die Teilnehmenden ein, neue Wege der Zusammenarbeit und Reflexion zu entdecken und soziale, kreative sowie bildende Prozesse zu aktivieren.

29.02. – 02.06.2024 Kulturwerkstatt Germaniastrasse & Orangerie Frankfurt am Main, DE

#concept # art direction #project management #intermedial art

Participatory, intermedia cultural project for kids (funded by the Federal Ministry of Education and Research & the Paritätische Gesamtverband). Together with the socio-cultural association NamaStay – Social Justice Lab e.V., partners, and supporters, the funded art and culture project will be carried out with kids in Frankfurt am Main, DE from February 29 to June 2, 2024.

FUNDED BY/ GEFÖRDERT VON

„My Big World – A Moving Sound Performance“ is a participatory art and culture project that creates a unique connection between music, dance, and theater. Using an artistic system „KlangBewegung“ (developed by Abelha Supersónica) implemented with modern technology like the Playtron interface, the project opens up new creative possibilities: movements and sounds merge into an intermedia experience that places haptics, expression, and social interaction at its core.

The project is aimed at children in grades 5 to 7, inviting them to explore various artistic materials and methods. In a playful and experimental environment, participants can choose their preferred focus and actively contribute to the participatory development of a stage performance. This performance reflects the children’s world, creatively explores their themes, and makes their voices both visible and audible. Professional experts from the fields of art and social guide and support the children in their creative work, fostering their development and encouraging their initiative. The result is an inspiring performance that not only excels artistically but also highlights the perspectives and ideas of the children.

The artistic project was conceived by the artist Abelha Supersónica (Bine Schwarz), who focuses on exploring the interplay of haptics, agency, sound, and movement in the creative process. For her, providing children and young people with access to artistic pathways and materials is a fundamental element in fostering self-confidence, personal development, self-efficacy, and participation in society.

The Playtronica methodology offers the artist a broad spectrum of possibilities to experiment with and develop various artistic forms of expression while enhancing (self-)reflective skills through social interaction.

Thanks to the support of the “Kultur macht stark” initiative, the artist can finally bring this long-planned art and culture project for kids to life. In doing so, she aims to showcase her vision of SoundMovement and its potential to inspire and empower children and young people.

15 Kids erforschen verschiedenste künstlerische Pfade und kreieren ihr eigenes Bühnenwerk!

Gemeinsam mit dem soziokulturellen Verein NamaStay – Social Justice Lab e.V., Kooperationspartner:innen und Unterstützer:innen wird das geförderte Kunst- und Kulturprojekt vom 29.02. – 02.06.2024 mit Kids in Frankfurt am Main umgesetzt.

„Meine große Welt – eine bewegende Klangperformance“ ist ein partizipatives Kunst- und Kulturprojekt, das eine einzigartige Verbindung von Musik, Tanz und Theater schafft. Durch den Einsatz des künstlerischen Systems „KlangBewegung“ (entwickelt von Abelha Supersónica), das mithilfe moderner Technik wie dem Playtron-Interface umgesetzt wird, eröffnet das Projekt neue kreative Möglichkeiten: Bewegungen und Klänge verschmelzen zu einer intermedialen Erfahrung, die Haptik, Ausdruck und soziale Interaktion in den Mittelpunkt rückt. Das Projekt richtet sich an Kinder der 5. bis 7. Klassen und lädt sie ein, verschiedene künstlerische Materialien und Methoden auszuprobieren. In einer spielerischen und experimentellen Atmosphäre können die Teilnehmer*innen ihren bevorzugten Schwerpunkt wählen, um aktiv an der partizipativen Entwicklung eines Bühnenstücks mitzuwirken. Dieses Stück greift die Lebenswelt der Kinder auf, erforscht und interpretiert ihre Themen künstlerisch und macht ihre Stimmen sichtbar und hörbar. Professionelle Fachkräfte aus den Bereichen Kunst und (sozial-)pädagogik begleiten die Kinder bei der kreativen Arbeit, unterstützen sie in ihrer Entfaltung und fördern ihre Eigeninitiative. Das Ergebnis ist eine inspirierende Aufführung, die nicht nur künstlerisch überzeugt, sondern auch die Perspektiven und Ideen der Kinder in den Fokus rückt.

Durch die Förderung “Kultur macht stark” kann die Künstlerin nun endlich das seit langer Zeit geplante Kunst- und Kulturprojekt für Kids umsetzen und damit auch ihre Vision von KlangBewegung und das damit einhergehende Potential für Kinder und Jugendliche aufzeigen.

„Meine große Welt“

A BIG THANK YOU TO OUR SUPPORTERS AND ALLIANCE PARTNERS! - VIELEN DANK AUCH AN UNSERE UNTERSTÜTZER:INNEN & BÜNDNISPARTNER:INNEN!:

Bündnispartner

Unterstützung von

„Irritation Flow“ – KlangBewegung by Abelha Supersónica

Performance by Abelha Supersónica – 31.08.2023@ Museum für angewandte Kunst, Frankfurt am Main/DE

With "Flow" Abelha Supersónica presented a small impression of the direction of her vision of interactive sound & movement-Performances.
As a part of Daniel Theiler´s installation FUNARAL @ Museum für angewandte Kunst, Frankfurt am Main, she explorates a social field in a new way a used the transformation processes of technic, body, sound and movement and makes them visible for the audience.
In doing so, it challenges a conscious irritation that wants to stimulate new impulses in the context of space, technology and body.

The work is based on an approach of interactive soundmovement that focuses dealing with different forms of connection and transformation. In using digital technology (here Playtronica) a bridge is built that connects creative possibilities of expression and design research of sound expression.

#choreography #music #performance #sound art #movement art – Maschinenmensch

A Performative Exploration of the Digital and Technical Influence on Humanity

Maschinenmensch is a striking artistic performance that delves into the growing influence of technology and digitization on human identity and emotion. It examines whether humans remain defined by their feelings or have become mere puppets of external forces—detached, emotionless, and driven by capitalist, performance-oriented ideologies.

The performance critiques the „cold, mechanical foundation“ that seduces humanity with its deceptive allure, reducing individuals to cogs in a system. In this pursuit, people abandon their individuality and emotional depth, adopting superficiality and emotional numbness until they become empty shells.

The project is a call to awaken from this condition, represented as a transformation through two dynamic stages of performance: Blue Part and Red Part.

Blue Part: The Awakening of Sensation

The Blue Part introduces the „cold, empty Maschinenmensch,“ who begins to sense a primal struggle within—a longing for life.

Red Part: Transformation and Reclamation

The Red Part symbolizes the awakening and subsequent internal transformation of the Maschinenmensch. This phase is defined by musical evolution, symbolizing life’s irregularity and individuality.

In the „Red Part,“ music serves as the central medium, portraying a process that mirrors the transformation of the Maschinenmensch through the gradual build-up of various musical elements using a Looper.

The lyrics in the „Red Part“ convey a sense of awakening, both externally and internally. The individual seeks to recognize and affirm that they are not a machine. It is a motivational call to acknowledge this change and a challenge to put this transformation into action. Sometimes, one must „talk oneself into“ something to clarify who or what they truly are and to build belief in it! The longer manipulation takes hold, the harder it becomes to break free from it. Thus, everything conducive to reclaiming oneself and reaching outward should be shouted aloud to initiate and support this vital process of transformation.

Maschinenmensch – Eine künstlerische Performance, die sich mit dem technischen & digitalen Einfluss auf den Menschen auseinandersetzt…

Der Mensch…Ist der Mensch was er fühlt?
Ist der Mensch „lebendig“ solange er noch spürt? 
ODER DOCH NUR:
…ein Spielball der äußeren Umstände?
…ohne Gefühle und geprägt von kapitalistischem, leistungs- und gewinnorientiertem Denken?

Ein eiskaltes Fundament, das mit trügerischem Charme die Menschen zu verführen vermag und zu Lakaien des Systems werden lässt. Dafür geben sie ihre kostbare Individualität und Emotionalität auf. Sie folgen den Vorgaben und führen diese aus ohne sich ihrer eigenen Gedanken und Erfahrungen (selbstreflektiert) zu bedienen. Wie Maschinen werden sie gesteuert und merken dabei gar nicht wie Oberflächlichkeit und emotionale Kälte Einzug nehmen in ihr Leben bis sie nur noch eine leere Hülle sind.

Das Projekt Maschinenmensch ist ein Aufschrei dieses Zustands. Es ist eine Transformation, die sich vollzieht im Verlauf der künstlerischen Performance.

„Blue PART“

Am Anfang („Blue Part“) wird mit dem Medium Stimme und Körper der „kalte, leere Maschinenmensch“ dargestellt, der merkt wie etwas in ihm kämpft „für ein Hauch von Leben“.

Der kriechende Start des Maschinenmensch auf dem Boden, der sich atmend vor robbt symbolisiert den Prozess der folgenden Metamorphose, die sich in einem unterbewussten Zustand in ihm regt. Von einem eher mechanischem, roboterhaften „Dasein“ geprägt erlebt der „Mensch“ ein Aufschrei seiner Sinne – ein Aufschrei des Lebens. Seine Glieder, seine Mimik, seine Stimme und der Körper generell visualisieren diesen Aufschrei und den Kampf darum, aus dem Käfig ausbrechen zu können.

Der Maschinenmensch „erwacht“ und spürt plötzlich wieder etwas… „Ick will hier raus“, am Ende des Parts steht für den Ausbruch aus dem „inneren“ und „äußeren“ Käfig.

„Red PART“

Der folgende Teil („Red Part“) der Performance steht für den Prozess des Erwachens und die daraus folgende „innere“ Transformation des Maschinenmensch.

Im „red Part“ ist die Musik das tragende Medium, dass mit dem Aufbau der verschiedenen musikalischen Elemente unter Zuhilfenahme des „Loopers“, ebenso einen Prozess darstellt, wie der Maschinenmensch selbst.

Mit dem Text des Musikstücks im Red Part wird eine Art Erwachen sowohl nach Außen, wie auch nach Innen ausgedrückt. Der Mensch versucht sich damit zu verdeutlichen, dass er keine Maschine ist. Es ist ein Aufruf der Motivation zu sich selbst, diese Änderung wahrzunehmen und eine Aufforderung diese Veränderung auch umzusetzen. Denn manchmal muss man sich selbst die Dinge auch „einreden“, um sich klar zu machen, wer/ was man eigentlich ist und damit man daran glauben kann! Je länger die Manipulation auf einen einwirkt, um so schwieriger wird das Lösen davon! Daher darf alles dafür Förderliche zu sich selbst und nach Draußen geschrien werden, um den lebenswichtigen Veränderungsprozess anzukurbeln und zu unterstützen.

#exhibition #choreography #performance #dance #intermedial #music #video #movement art

„Shadow Relations“ is an intermedial performance by Abelha Supersónica alias Bine Schwarz, that connects and relates different forms of expressions to demonstrate the manifold relations of music, shadow & light.

Performance, Music and Video by Abelha Supersónica 10/2022

Presented in the intermedia exhibition "Connection - Confection - Confession" @ Atelier Frankfurt.

An exhibition with the class of the master degree "Performative arts in social fields" UAS Frankfurt am Main, DE.